La fine del futuro

La nostalgia è quasi sempre un cattivo storico. 

Abbellisce, semplifica, mitizza.

Eppure ci sono epoche nelle quali l’intensità creativa raggiunge davvero livelli irripetibili, momenti in cui arti differenti sembrano dialogare tra loro in una combustione simultanea che produce linguaggi nuovi, estetiche radicali, mutazioni culturali profonde. 

La seconda metà degli anni Settanta e l’inizio degli Ottanta rappresentano uno di quei momenti. L’esplosione del punk e la successiva proliferazione della new wave non furono soltanto fenomeni musicali: furono la manifestazione di un cambio di paradigma. 

La musica, la moda, il design, il cinema, la fotografia, l’editoria indipendente e perfino la grafica pubblicitaria entrarono in una zona di sperimentazione permanente. A distanza di quasi cinquant’anni, il confronto con il presente appare impietoso. 

Non perché oggi manchino musicisti talentuosi o opere dignitose, ma perché sembra essersi esaurita la capacità di produrre fratture estetiche autentiche, di imporre nuovi codici culturali, di generare movimenti in grado di ridefinire il rapporto tra arte e società. 

Il panorama contemporaneo appare frammentato, iperproduttivo eppure sterile, saturo di contenuti ma povero di visioni. 

Per comprendere le ragioni di questo impoverimento bisogna prima capire cosa rese straordinario quel periodo storico. 

Il punk nacque ufficialmente come negazione. 

Negazione del virtuosismo pomposo del rock progressivo, negazione dell’industria discografica ingessata, negazione dell’idea stessa di musica come dominio tecnico riservato a pochi specialisti. Quando i Sex Pistols apparvero sulla scena britannica nel 1976, non offrirono soltanto canzoni aggressive e provocatorie: offrirono una grammatica nuova dell’urgenza. 

Il messaggio era devastante nella sua semplicità: chiunque può salire su un palco, chiunque può formare una band, chiunque può creare. 

In quella democratizzazione brutale del gesto artistico c’era qualcosa di profondamente rivoluzionario. Il punk restituiva centralità all’energia, all’istinto, all’identità. Ma soprattutto rompeva il confine tra produttore e consumatore culturale. I fan diventavano musicisti, i musicisti diventavano stilisti, grafici, editori di fanzine. Si creava un ecosistema creativo diffuso, anarchico, febbrile. Il punk, tuttavia, durò pochissimo come linguaggio puro. La sua importanza storica non risiede tanto nelle canzoni quanto nell’effetto detonatore che produsse. 

Dalle sue macerie nacque la new wave, termine ambiguo e vastissimo che finì per comprendere esperienze diversissime ma accomunate da una spinta alla contaminazione. Se il punk era sottrazione, la new wave fu espansione. Nel giro di pochi anni apparvero gruppi che ridefinirono completamente il rapporto tra rock, elettronica, arte concettuale, funk, dub, avanguardia e cultura urbana. 

I Talking Heads trasformarono l’alienazione metropolitana in architettura sonora; i Joy Division portarono nella musica popolare una profondità esistenziale quasi letteraria; i Wire destrutturarono la forma canzone; i Siouxsie and the Banshees reinventarono il concetto stesso di estetica dark; i Public Image Ltd trasformarono il rumore e il dubbio identitario in materia musicale. 

Nello stesso periodo a New York convivevano la no wave, il minimalismo, il punk artistico del CBGB, la disco mutante e l’hip hop nascente. 

A Berlino la sperimentazione elettronica dialogava con la memoria traumatica della città divisa. 

A Manchester l’industria in declino produceva una malinconia urbana che diventava stile. 

Tutto sembrava attraversato da una tensione creativa continua. Persino l’imperfezione aveva valore estetico. 

Oggi, al contrario, viviamo in un’epoca che tende a sterilizzare il rischio. La prima grande differenza tra allora e adesso riguarda il rapporto con il tempo. Negli anni Settanta e Ottanta la cultura popolare aveva ancora bisogno di sedimentazione. Le scene musicali crescevano localmente, attraverso club, negozi di dischi, radio indipendenti, passaparola. Le identità artistiche si costruivano lentamente. Questo processo favoriva la nascita di comunità estetiche compatte, capaci di sviluppare linguaggi autonomi. Oggi la velocità digitale ha distrutto la durata. Ogni cosa nasce già vecchia. Un artista pubblica un disco e dopo quarantotto ore l’algoritmo ha già spostato l’attenzione altrove. La cultura contemporanea non metabolizza: consuma. 

Il problema non è la quantità di musica disponibile, che è gigantesca, ma la modalità di fruizione. Le piattaforme di streaming hanno trasformato la musica in flusso continuo, in sottofondo permanente. L’album, che per decenni è stato il principale spazio di elaborazione estetica, è diventato quasi irrilevante. 

La logica delle playlist favorisce brani immediatamente riconoscibili, emotivamente semplici, strutturalmente prevedibili. 

L’ascolto profondo è sostituito dalla navigazione compulsiva. In questo contesto è difficile che emerga qualcosa di veramente destabilizzante. L’industria culturale contemporanea premia ciò che è immediatamente classificabile. Gli algoritmi lavorano per ridurre l’imprevisto, non per amplificarlo. Eppure la creatività autentica nasce quasi sempre da collisioni imprevedibili, da errori, da deviazioni. Negli anni della new wave l’errore era una componente fondamentale del processo creativo. 

Molti musicisti non avevano una formazione accademica. 

Imparavano facendo. 

Questo produceva stili personali, spesso tecnicamente imperfetti ma esteticamente irripetibili. 

Oggi la tecnologia consente a chiunque di produrre musica professionalmente nel proprio appartamento, ma proprio questa facilità tecnica ha generato una paradossale omologazione sonora. I software di produzione impongono standard impliciti. Le librerie sonore vengono condivise globalmente. Le strutture ritmiche tendono a convergere. La pulizia del suono ha sostituito il carattere del suono. È significativo che moltissimi artisti contemporanei cerchino deliberatamente di “sporcare” le registrazioni per recuperare una sensazione di autenticità perduta. 

Ma spesso si tratta di simulazioni nostalgiche, non di reali innovazioni. 

Un altro elemento decisivo riguarda il ruolo sociale della musica. Tra gli anni Settanta e Ottanta la musica popolare era ancora uno dei principali strumenti di costruzione identitaria collettiva. Appartenere a una scena musicale significava assumere una posizione culturale, politica, estetica. Punk, goth, new romantic, industrial, post-punk: ogni movimento produceva un immaginario complesso, riconoscibile, totalizzante. La musica influenzava il modo di vestirsi, di parlare, di pensare, di vivere la città. 

Oggi le identità culturali sono più fluide, frammentate, temporanee. 

Non esistono quasi più sottoculture compatte. 

Internet ha moltiplicato le nicchie ma ha dissolto il senso di appartenenza. Tutto è accessibile simultaneamente, e proprio per questo nulla riesce più a definire davvero una generazione. La cultura algoritmica produce individui sempre più personalizzati e sempre meno collettivi. 

Negli anni del punk esisteva ancora un nemico chiaro: l’establishment culturale, il sistema politico, l’industria musicale tradizionale. 

Oggi il nemico è diffuso, invisibile, incorporato nella stessa struttura digitale che usiamo quotidianamente. La ribellione è diventata una posa estetica immediatamente monetizzabile. La trasgressione viene assorbita dal mercato con velocità impressionante. Basta osservare il destino di molti linguaggi nati come antagonisti e trasformati rapidamente in prodotti di massa. 

Il capitalismo contemporaneo possiede una capacità di digestione culturale infinitamente superiore rispetto a quella degli anni Settanta. 

Ogni novità viene neutralizzata quasi istantaneamente attraverso la commercializzazione. 

Anche la figura dell’artista è profondamente cambiata. 

Nel periodo punk e new wave l’artista era ancora percepito come soggetto potenzialmente enigmatico, distante, persino disturbante. Pensiamo a figure come David Bowie, Brian Eno o Mark E. Smith: personalità difficili da decifrare, spesso contraddittorie, refrattarie alla semplificazione mediatica. 

Oggi il musicista contemporaneo è costretto a essere permanentemente accessibile. I social network impongono una presenza continua, una narrazione costante di sé. L’artista deve produrre contenuti, mantenere engagement, alimentare la propria visibilità quotidiana. 

Questo meccanismo penalizza il mistero, la complessità, il silenzio. Ma la grande arte ha quasi sempre bisogno di opacità. La sovraesposizione digitale riduce tutto a superficie. 

Inoltre il sistema dei social premia personalità compatibili con la logica della piattaforma: immediate, riconoscibili, emotivamente leggibili. 

È difficile immaginare oggi l’emergere di figure disturbanti come Ian Curtis o Lydia Lunch in un ecosistema fondato sulla continua ottimizzazione dell’immagine pubblica. Esiste poi una questione più profonda, quasi filosofica: la fine del futuro. 

Negli anni Settanta e Ottanta la cultura occidentale, pur attraversata da crisi economiche e tensioni politiche, conservava ancora l’idea che il futuro potesse essere radicalmente diverso dal presente. La fantascienza, l’elettronica, il design industriale, la moda sintetica della new wave erano espressioni di questa tensione futuribile. Anche le distopie contenevano una forma di energia immaginativa. 

Oggi invece viviamo in una cultura dominata dal riciclo permanente. La nostalgia è diventata il principale motore dell’industria culturale. Il cinema rilancia sequel infiniti, la moda recupera continuamente stili passati, la musica vive di revival. 

Persino molti artisti considerati innovativi lavorano attraverso la citazione, il collage, la reinterpretazione di linguaggi già esistenti. 

È come se la contemporaneità avesse perso la capacità di immaginare forme realmente nuove. 

Il teorico culturale Mark Fisher parlava di “hauntology”, una condizione nella quale il presente è infestato dai fantasmi di futuri mai realizzati. 

È una definizione perfetta della cultura musicale contemporanea: un immenso archivio di stili morti continuamente riattivati. Basta ascoltare molta produzione attuale per percepire questa sensazione di déjà-vu permanente. 

Synthwave, post-punk revival, indie nostalgico, revival anni Ottanta: interi generi contemporanei esistono come simulazioni di epoche precedenti. Naturalmente esistono ancora artisti interessanti. Sarebbe stupido sostenere il contrario. Figure come Radiohead, Burial o lo stesso Thom Yorke come solista, hanno prodotto opere di enorme valore artistico. Ma il punto è che persino gli artisti più importanti del presente sembrano operare all’interno di un orizzonte culturale meno incendiario rispetto a quello delle avanguardie post-punk. 

La differenza non è soltanto qualitativa: è sistemica. Negli anni Settanta e Ottanta esisteva la percezione diffusa che la musica potesse cambiare davvero il modo di percepire il mondo. Oggi quella convinzione appare quasi ingenua. La musica è diventata un elemento tra molti nel flusso infinito dei contenuti digitali. Ha perso centralità simbolica. 

Negli anni della new wave un disco poteva definire una stagione culturale. Oggi anche i grandi successi globali sembrano evaporare rapidamente dalla memoria collettiva. C’è inoltre una dimensione economica spesso sottovalutata. Il punk e la new wave nacquero in un contesto urbano degradato ma relativamente accessibile. 

Londra, Manchester, New York erano città ancora economicamente abitabili per giovani artisti squattrinati. Esistevano spazi occupabili, club piccoli, circuiti indipendenti, possibilità di sopravvivere ai margini. Oggi la gentrificazione ha espulso gran parte della creatività dalle metropoli occidentali. Fare l’artista è diventato economicamente molto più difficile. La precarietà contemporanea non produce necessariamente ribellione creativa; spesso produce soltanto ansia e adattamento. 

Inoltre le piattaforme digitali hanno concentrato enormemente il potere economico. Pochissime corporation controllano la distribuzione musicale globale. La promessa democratica di Internet si è trasformata in una nuova forma di centralizzazione. Tutti possono pubblicare musica, ma pochissimi riescono a emergere senza piegarsi alle logiche della visibilità algoritmica. È una libertà apparente. L’eccesso di offerta produce invisibilità. In un oceano di contenuti, anche opere valide rischiano di scomparire immediatamente. 

La scarsità del passato, paradossalmente, favoriva l’attenzione. 

Un altro aspetto fondamentale riguarda il rapporto con il corpo e con la presenza fisica. La cultura punk e new wave era profondamente incarnata. Viveva nei concerti, nei club, nelle strade, nelle occupazioni, nei negozi di dischi. La musica era esperienza sociale concreta. Oggi gran parte del consumo culturale avviene in solitudine, attraverso cuffie e schermi. La dimensione collettiva si è indebolita. Anche i concerti contemporanei sono spesso vissuti attraverso gli smartphone, trasformati in occasioni di auto-rappresentazione digitale. 

Il pubblico registra invece di partecipare. 

Documenta invece di vivere. 

Questa trasformazione percettiva modifica inevitabilmente anche la produzione artistica. Se negli anni Ottanta la musica nasceva spesso da scene locali fisicamente connesse, oggi nasce in reti globali astratte. 

Il risultato è una cultura più vasta ma meno intensa. 

Meno radicata. 

Meno pericolosa. 

Eppure sarebbe troppo semplice ridurre tutto a una lamentazione nostalgica sul declino contemporaneo. Ogni generazione tende a percepire il proprio passato culturale come più autentico rispetto al presente. Inoltre gli anni Settanta e Ottanta produssero anche enormi quantità di musica mediocre oggi dimenticata. La memoria seleziona il meglio e cancella il resto. Ma anche tenendo conto di questa distorsione, resta evidente che quel periodo possedeva una densità innovativa difficilmente riscontrabile oggi. 

La vera domanda allora è un’altra: perché il presente sembra incapace di produrre nuovi canoni estetici? Una possibile risposta riguarda l’esaurimento delle grandi narrazioni moderniste. Per oltre un secolo l’arte occidentale è stata alimentata dall’idea di progresso formale: ogni avanguardia cercava di superare la precedente. Oggi questa tensione sembra esaurita. Viviamo in un’epoca post-storica nella quale tutto coesiste simultaneamente. Non esiste più una direzione condivisa dell’innovazione. Questo produce libertà ma anche dispersione. La cultura contemporanea è estremamente sofisticata nella rielaborazione del passato ma molto meno efficace nell’invenzione radicale. 

Inoltre la digitalizzazione totale ha modificato il nostro rapporto con il desiderio. Negli anni del punk scoprire un disco raro, una band sconosciuta, una scena underground richiedeva ricerca, tempo, ossessione. 

Oggi tutto è immediatamente disponibile. 

Ma quando tutto è disponibile, nulla sembra davvero necessario. 

La sovrabbondanza genera indifferenza. 

L’esperienza culturale perde intensità emotiva. 

Anche la critica musicale ha subito una trasformazione devastante. 

Un tempo esistevano riviste, giornalisti, programmi radiofonici capaci di costruire discorsi complessi attorno alla musica. Oggi gran parte della discussione culturale si riduce a frammenti veloci, recensioni lampo, classifiche algoritmiche, reaction immediate. La riflessione lenta è diventata marginale. E senza riflessione critica è difficile che emergano movimenti realmente strutturati. La cultura contemporanea privilegia la reazione rispetto all’interpretazione. Tutto deve essere immediato, condivisibile, sintetizzabile. Ma le rivoluzioni estetiche richiedono tempo, conflitto, elaborazione teorica. Il punk e la new wave non furono soltanto suoni: furono idee sul mondo. 

Oggi invece l’industria culturale tende a neutralizzare ogni profondità concettuale in favore dell’accessibilità permanente. Perfino l’estetica della ribellione è diventata un format pubblicitario. Tuttavia il desiderio di rottura non è scomparso. Continua a esistere in forme sotterranee, disperse, spesso invisibili ai grandi circuiti mediatici. Forse il problema non è l’assenza totale di creatività, ma la difficoltà di riconoscerla dentro un ecosistema iperframmentato. 

Le innovazioni contemporanee potrebbero essere meno spettacolari, meno centralizzate, più molecolari. Ma resta il fatto che nessun movimento recente sembra aver avuto l’impatto sistemico del punk o della new wave. Nessuna scena contemporanea ha ridefinito simultaneamente musica, moda, linguaggio visivo e immaginario collettivo con la stessa forza. 

Forse perché oggi manca proprio la possibilità materiale di costruire immaginari condivisi. La rete ha democratizzato l’accesso ma ha dissolto il centro. E senza centro diventa difficile produrre shock culturali davvero universali. Rimane allora una sensazione malinconica ma inevitabile: quella di vivere in un’epoca culturalmente esausta, incapace di generare nuovi miti estetici e costretta a rielaborare incessantemente le rovine del Novecento. 

Non è detto che questa condizione sia definitiva. Le grandi trasformazioni artistiche spesso emergono nei momenti di crisi profonda, quando il linguaggio dominante appare improvvisamente insufficiente a descrivere la realtà. Forse stiamo attraversando proprio una di quelle fasi di saturazione che precedono una nuova esplosione creativa. Ma per ora il confronto con gli anni del punk e della new wave resta crudele. In quel periodo la musica sembrava ancora una forza viva, capace di destabilizzare, scandalizzare, reinventare. Oggi troppo spesso appare soltanto un sottofondo elegante per l’economia dell’attenzione.

John Coltrane: Forma, Libertà, Trascendenza

John Coltrane rappresenta una delle figure più imponenti, radicali e trasformative della storia del jazz e, più in generale, della musica del Novecento, poiché la sua traiettoria espressiva non si limita a svilupparsi all’interno dei confini di un genere ma li attraversa e li supera, configurandosi come una vera e propria ricerca spirituale e filosofica tradotta in suono. 

Se posta a confronto con quella di Miles Davis, questa ricerca non solo regge pienamente il paragone ma, sotto diversi aspetti, può essere considerata persino più coerente ed estrema, dal momento che, mentre Davis fu un geniale interprete del cambiamento, capace di reinventarsi continuamente e di guidare il jazz attraverso diverse fasi evolutive grazie a un’intuizione estetica fuori dal comune, Coltrane incarnò invece un percorso interiore di intensità crescente, una tensione verso l’assoluto che si riflette direttamente nelle sue opere più importanti, le quali non sono semplici tappe di un’evoluzione musicale ma momenti di una trasformazione personale profonda, in cui etica, spiritualità e linguaggio artistico si intrecciano in modo indissolubile, dando vita a una musica che non è solo ascolto ma esperienza, non è solo forma ma interrogazione del senso stesso dell’esistenza. 

È proprio questa dimensione a rendere la sua produzione ancora oggi così influente, capace di parlare a generazioni diverse e di superare i confini del jazz per raggiungere ambiti come la musica contemporanea, il rock sperimentale e alcune correnti della musica elettronica, mantenendo sempre quella tensione interna che la rende viva, necessaria, quasi inevitabile, come se ogni nota fosse il risultato di un’urgenza espressiva che non può essere contenuta né mediata. 

Fin dagli esordi, infatti, Coltrane si distingue per un approccio allo strumento che rompe con le convenzioni, sviluppando uno stile noto come sheets of sound, una fitta cascata di note che si susseguono con rapidità vertiginosa e che, lungi dall’essere una semplice dimostrazione di virtuosismo, rappresenta il risultato di uno studio ossessivo delle possibilità armoniche e improvvisative, attraverso il quale egli tenta di espandere i limiti del linguaggio jazzistico, spingendolo verso territori nuovi e inesplorati.

Questa fase della sua carriera trova una prima sintesi fondamentale nell’album Giant Steps, un lavoro che può essere considerato una vera e propria rivoluzione armonica, nel quale introduce progressioni estremamente complesse e modulazioni rapide che mettono alla prova non solo i musicisti ma anche l’ascoltatore, chiamato a confrontarsi con una musica che richiede attenzione, concentrazione e una disponibilità a lasciarsi guidare in un flusso sonoro denso e articolato. 

Tuttavia, proprio nel momento in cui raggiunge uno dei vertici della complessità armonica, Coltrane inizia a percepire i limiti di questo approccio, avvertendo la necessità di aprire il proprio linguaggio verso una dimensione più libera e meno vincolata, e questo lo porta ad avvicinarsi progressivamente al modalismo, una scelta che segna una svolta decisiva nel suo percorso e che si sviluppa anche attraverso la collaborazione con Miles Davis nel periodo di Kind of Blue, un disco che rappresenta uno dei momenti più importanti nella storia del jazz e che introduce una concezione dell’improvvisazione basata su scale e modi piuttosto che su complesse progressioni armoniche. 

In questo contesto emergono con chiarezza le differenze tra i due artisti, poiché se Davis utilizza il modalismo per creare atmosfere rarefatte, eleganti e accessibili, caratterizzate da una grande economia di mezzi e da una forte attenzione alla dimensione timbrica, Coltrane ne coglie soprattutto le potenzialità come spazio di espansione, trasformando l’improvvisazione in una forma di meditazione, in un processo attraverso il quale la musica diventa strumento di ricerca interiore e di esplorazione spirituale. 

È proprio questa tensione che lo conduce verso una progressiva radicalizzazione del proprio linguaggio, portandolo a concepire la musica non più soltanto come espressione artistica ma come pratica esistenziale, come mezzo per interrogare il senso della vita e per stabilire una connessione con una dimensione trascendente. Tale percorso trova il suo culmine nell’opera A Love Supreme, che rappresenta non solo il vertice della sua produzione ma anche uno dei momenti più alti dell’intera musica del XX secolo, un lavoro che si distingue per la sua unità concettuale e per la sua profondità espressiva, registrato nel 1964 e pubblicato nel 1965 in un periodo di intensa trasformazione personale, dopo che Coltrane aveva superato una fase di dipendenza da droghe e alcol intraprendendo un cammino di rinascita spirituale che lo porta a esplorare diverse tradizioni religiose, integrando elementi del cristianesimo, dell’induismo, del sufismo e di altre correnti in una visione sincretica profondamente personale.

A Love Supreme si configura come una suite sacra articolata in quattro movimenti — Acknowledgement, Resolution, Pursuance e Psalm — che costruiscono un percorso unitario e coerente, una narrazione musicale che segue le tappe di un’esperienza spirituale, dalla presa di coscienza iniziale fino alla celebrazione finale, passando attraverso momenti di tensione, ricerca e liberazione, e ciò che rende quest’opera straordinaria non è soltanto la sua concezione ma anche la sua realizzazione, affidata al celebre quartetto con McCoy Tyner al pianoforte, Jimmy Garrison al contrabbasso ed Elvin Jones alla batteria, un ensemble che raggiunge qui un livello di coesione e intensità difficilmente eguagliabile, nel quale ogni musicista contribuisce in modo essenziale alla costruzione del suono, creando un equilibrio perfetto tra struttura e libertà, tra disciplina e improvvisazione, tra individualità e collettività. 

Il tema principale di Acknowledgement, basato su un motivo di quattro note che richiama la frase A Love Supreme, assume il valore di un mantra che attraversa l’intera composizione, fungendo da elemento unificante e da punto di riferimento costante, mentre Coltrane utilizza il sax come una vera e propria voce, capace di esprimere una gamma emotiva vastissima che va dalla devozione alla tensione, dalla contemplazione alla liberazione, trasformando ogni frase musicale in un atto di comunicazione profonda. 

Questa dimensione emerge in modo particolarmente evidente nella sezione finale Psalm, dove il sax segue il ritmo e la struttura di una preghiera scritta dallo stesso Coltrane, traducendo il testo in suono senza bisogno di parole e creando un momento di straordinaria intensità, in cui la musica sembra trascendere se stessa per diventare esperienza spirituale pura, una sorta di dialogo diretto tra l’individuo e l’assoluto. Per comprendere pienamente il significato di A Love Supreme è necessario collocarlo nel contesto storico degli anni Sessanta, un periodo caratterizzato da profondi cambiamenti sociali, politici e culturali, segnato dall’emergere dei movimenti per i diritti civili, da tensioni internazionali e da una diffusa ricerca di nuovi valori e nuove forme di espressione, e in questo scenario la musica di Coltrane si configura come una risposta non esplicita ma profondamente significativa, espressione di un bisogno di autenticità, di libertà e di trascendenza che attraversa l’intera epoca. 

Se Miles Davis rappresenta l’evoluzione del jazz in senso stilistico e comunicativo, Coltrane ne incarna la dimensione più radicale e visionaria, quella che mette in discussione le fondamenta stesse del linguaggio musicale e lo spinge verso territori allora percepiti come estremi, come dimostrano le sue ultime registrazioni, nelle quali l’improvvisazione si apre a forme di libertà quasi totale, anticipando sviluppi che saranno esplorati negli anni successivi da numerosi musicisti. 

Questa evoluzione non deve essere interpretata come un allontanamento dal pubblico, ma come una coerenza assoluta con il suo percorso interiore, una fedeltà alla propria ricerca che trova in A Love Supreme una sintesi altissima ma non definitiva, poiché Coltrane continuerà a spingersi oltre, alla ricerca di nuove possibilità espressive e spirituali, fino agli ultimi anni della sua vita, nei quali la sua musica diventa sempre più intensa, libera e, per certi versi, difficile, ma proprio per questo ancora più significativa. 

Per questo motivo la figura di Coltrane assume un valore che va ben oltre il semplice confronto con Miles Davis, poiché non si limita a innovare il jazz ma ridefinisce il ruolo stesso dell’artista, trasformandolo in un ricercatore e in un esploratore dell’esperienza umana attraverso il suono, e proprio in questa capacità di coniugare tecnica, visione e profondità risiede la sua grandezza duratura, che continua ancora oggi a interrogare il nostro modo di ascoltare, comprendere e vivere la musica, rendendo John Coltrane una figura imprescindibile non solo nella storia del jazz ma nella cultura contemporanea nel suo complesso, un artista che non smette di parlare al presente e che continua a rappresentare un punto di riferimento per chiunque consideri la musica non soltanto come intrattenimento ma come strumento di conoscenza, di trasformazione e di ricerca dell’assoluto.