Looking back Italia: Litfiba - 17 Re (1986)

Ripercorrere l'uscita e l'impatto di 17 Re dei Litfiba significa immergersi in un crocevia fondamentale della storia culturale, politica e musicale del nostro Paese, un'opera titanica pubblicata nel dicembre del 1986 che ha saputo ridefinire i confini del rock cantato in italiano, elevandolo a dignità letteraria e sonora internazionale. 

Per comprendere appieno la portata di questo doppio album, pietra miliare della cosiddetta "trilogia del potere" insieme al precedente Desaparecido e al successivo Litfiba 3, è necessario prima di tutto sintonizzarsi sulle frequenze di un'Italia che, nella seconda metà degli anni Ottanta, stava drammaticamente e magneticamente voltando pagina rispetto al decennio precedente. 

Il 1986 non era più il tempo delle ideologie granitiche e delle piazze infuocate degli anni Settanta, ma non era ancora il deserto edonistico, televisivo e patinato dei favolosi anni Ottanta da bere, dominati dai quiz di Mike Bongiorno, dalle neonate reti commerciali di Silvio Berlusconi e da un benessere diffuso ma spesso superficiale che avrebbe segnato la fine del decennio. 

L'Italia di metà decennio viveva una sorta di sospensione metropolitana e sotterranea, divisa tra la spinta modernizzatrice verso un'Europa che sembrava correre veloce e le scorie di un malessere sociale profondo, fatto di periferie grigie, disoccupazione giovanile, la piaga dilagante dell'eroina che decimava le comunità urbane e una crescente alienazione che colpiva i giovani costretti a fare i conti con un futuro incerto e privo di punti di riferimento stabili. 

È in questo scenario che Firenze, e in particolare l'area creativa legata all'etichetta indipendente I.R.A. Records, ai laboratori autogestiti e ai locali di culto come il Tenax, si trasforma nella capitale occulta di una controcultura viscerale, capace di attrarre energie creative da tutta la penisola e di fonderle in un calderone unico di arte, musica e dissenso estetico. 

I Litfiba — formati da Piero Pelù alla voce, Federico "Ghigo" Renzulli alle chitarre, Gianni Maroccolo al basso, Antonio Aiazzi alle tastiere e Ringo De Palma alla batteria, con la complicità fondamentale e occulta di Francesco Magnelli — raccolgono le istanze della new wave e del post-punk britannico di band come Joy Division, Bauhaus, Cure e Siouxie and the Banshees, ma le impregnano di una mediterraneità oscura, di suggestioni letterarie decadenti, di romanticismo nero e di un'urgenza espressiva tutta italiana che rifugge qualsiasi imitazione scolastica per farsi carne viva. 

Quando 17 Re arriva nei negozi sotto forma di un ambizioso e folle doppio LP contenente sedici tracce, il mercato discografico nazionale, ancora rigidamente ancorato alla forma canzone sanremese, al pop leggero d'autore o ai residui del cantautorato politico più ortodosso, viene letteralmente scosso da un terremoto sonoro senza precedenti. 

La scelta coraggiosa di autoprodursi, di mantenere il totale controllo artistico e di insistere sulla lingua italiana — rifiutando la facile scorciatoia dell'inglese che all'epoca sembrava l'unico passaporto per la credibilità rock — rappresenta un atto di straordinaria arroganza creativa e di lucida consapevolezza politica, la dimostrazione che si poteva costruire un immaginario epico e universale partendo dalle proprie radici linguistiche e geografiche. 

I testi del disco non fanno sconti e rifuggono la retorica militante di facciata per rifugiarsi in un simbolismo e in un astrattismo visionario che parlano direttamente alla pancia di una generazione disorientata, schiacciata tra il conformismo dilagante e la paura di un futuro atomico e incerto, suggellata drammaticamente, proprio in quei mesi, dalla catastrofe nucleare di Černobyl', i cui riverberi psicologici ed ecologici attraversano trasversalmente le atmosfere apocalittiche e claustrofobiche dell'album. 

Brani come Resta, Re del silenzio, Vendetta, Tango, Gira nel mio cerchio e la celeberrima Apapaia costruiscono un affresco sonoro stratificato, dove il basso ipnotico, pulsante e geometrico di Maroccolo guida trame ritmiche tribali e psichedeliche, le tastiere di Aiazzi dipingono atmosfere ora gelide ora barocche e orchestrali, le chitarre taglienti e desertiche di Renzulli scolpiscono muri di suono e fendenti spigolosi, mentre la voce di Piero Pelù oscilla con straordinaria versatilità tra l'invettiva sciamanica, il declamo teatrale e il lamento dolente, incarnando perfettamente la figura del dandy maledetto e del tribuno metropolitano. 

L'intero concept dell'album ruota attorno al tema del potere, inteso non solo nella sua accezione politica istituzionale o totalitaria, ma declinato in tutte le sue forme subdole: il potere sui corpi, il potere economico, il controllo sociale, la manipolazione mediatica e la dittatura invisibile delle coscienze, temi che risuonano con una modernità spaventosa se rapportati alle derive della società contemporanea del Ventunesimo secolo. 

All'epoca della sua uscita, la critica specializzata accolse l'opera con un misto di stupore e reverenza, comprendendo immediatamente di trovarsi di fronte a un monumento della musica italiana, sebbene il grande pubblico impiegasse del tempo a decifrare la complessità di un doppio album così ostico, denso e privo di facili concessioni commerciali. Le registrazioni, avvenute in condizioni spesso precarie ma cariche di tensione creativa, riflettono la volontà della band di esplorare territori sonori inesplorati, mescolando le urgenze del punk rock con le rarefazioni della musica ambient, le strutture ipnotiche del krautrock tedesco con le melodie dolenti di una tradizione popolare reinventata e filtrata attraverso il prisma della modernità industriale. 

Ascoltare oggi 17 Re significa riaprire una capsula del tempo che custodisce l'anima più irrequieta, colta e visionaria del rock italiano, un disco che non cercava il consenso immediato delle classifiche o la rotazione radiotelevisiva rassicurante, ma che pretendeva di essere attraversato come un viaggio iniziatico e sciamanico in un mondo distopico, onirico e affascinante, dimostrando per sempre che anche nel Bel Paese si poteva fare musica totale, capace di dialogare alla pari con l'avanguardia internazionale senza mai perdere la propria identità maledetta, irripetibile e profondamente radicale.

Robert Fripp: Infinite guitar

Robert Fripp non è semplicemente un chitarrista, ma un architetto del suono, un pensatore radicale e un agitatore culturale. Ha ridefinito i confini della musica contemporanea, dello strumento chitarristico e dell’approccio alla performance artistica. La sua carriera cinquantennale ha fatto della coerenza intellettuale e del rigore etico il proprio marchio di fabbrica. Ha inaugurato un percorso che fonde la precisione geometrica della musica classica con la furia iconoclasta del rock, l'improvvisazione radicale e le avanguardie elettroniche. Si è eretto a figura centrale per chi intende la chitarra non come un accessorio spettacolare, ma come un generatore di pensiero e di mondi sonori inediti.

Tutto è iniziato negli anni Sessanta, quando il panorama musicale britannico ribolliva di fermenti creativi. Il giovane Fripp, originario del Dorset e dotato di una formazione accademica presto contaminata dal jazz e dal blues d'avanguardia, ha iniziato a concepire la musica come una disciplina ascetica e rigorosa, lontana dai facili virtuosismi e dalle pose edonistiche del rock dell'epoca. 

Nel 1968 ha fondato quel laboratorio permanente di idee che risponde al nome di King Crimson: un collettivo mutevole e implacabile che ha attraversato i decenni mutando pelle e linguaggio, senza mai perdere la propria identità profonda.

Fin da subito, Fripp ha imposto una visione della composizione come struttura architettonica complessa, fatta di poliritmie, contrappunti serrati, dissonanze calcolate e dinamiche estreme che sfidavano le abitudini d'ascolto del pubblico. Questo percorso è culminato nel capolavoro folgorante e spettrale del 1969, intitolato In the Court of the Crimson King. 

Il disco non si è limitato a inaugurare la stagione aurea del rock progressivo, ma ne ha scritto il manifesto definitivo, introducendo sonorità cupe, mellotron apocalittici e testi intrisi di un esistenzialismo disperato. 

La sua chitarra, pur capace di lirismi struggenti come nella celebre Epitaph, rifuggiva sistematicamente i cliché blues per abbracciare geometrie sonore taglienti, dimostrando che lo strumento poteva dialogare alla pari con le partiture orchestrali più complesse. Questo ha segnato il primo fondamentale spartiacque nell'evoluzione della chitarra rock, che da quel momento non avrebbe più potuto fare a meno della precisione chirurgica e dell'inquietudine intellettuale introdotte da Fripp.

Tuttavia, il chitarrista ha rifuggito i manierismi accademici del progressive ortodosso, scegliendo la via della decostruzione continua. 

Tra il 1970 e il 1974, affiancato da sodali come Peter Sinfield, John Wetton, Bill Bruford e David Cross, ha traghettato il suono dei King Crimson verso territori sempre più aspri, marziali e viscerali. Ha così anticipato e superato le istanze del proto-punk e dell'industrial rock attraverso album monumentali come Larks' Tongues in Aspic, Starless and Bible Black e Red. 

In questi dischi, la sua chitarra assume una funzione quasi industriale, fatta di riff ciclopici, distorsioni taglienti e trame acustiche di una bellezza algida. Il ruolo dello strumento all'interno dell'ensemble rock viene ridefinito: non più semplice accompagnamento o solismo narcisistico, ma ingranaggio fondamentale di un motore ritmico e timbrico implacabile, capace di passare in un istante dalla delicatezza cameristica alla violenza di una deflagrazione metallica. 

Ciò ha posto le basi per l'approccio alla chitarra elettrica che avrebbe influenzato generazioni di musicisti sperimentali, da Steve Albini ai Sonic Youth, passando per il post-rock e il math rock contemporaneo. 

La lezione di Fripp risiede nella capacità di trattare la tastiera e le sei corde come una tela geometrica, dove ogni nota è pesata, ogni silenzio è carico di tensione drammatica e ogni assolo è una costruzione logica rigorosa.

Questo concetto trova la sua massima teorizzazione nella celebre definizione che Fripp ha dato di sé stesso come "piccolo chitarrista intelligente", formula che racchiude l'essenza di un'etica musicale basata sulla consapevolezza e sulla sottomissione dell'ego alle esigenze superiori della composizione. Tale etica si è tradotta anche in una rigorosa didattica e in un'indagine approfondita sulla tecnica strumentale, culminata negli anni Ottanta nella creazione dei corsi di chitarra noti come Guitar Craft. Attraverso di essi, Fripp ha trasmesso a centinaia di allievi in tutto il mondo un nuovo modo di concepire il rapporto fisico e mentale con lo strumento, basato su un'innovativa accordatura nota come New Standard Tuning. 

Abbandonando la tradizionale accordatura per quarti e terze a favore di una sequenza basata su intervalli di quinte e seconde (C-G-D-A-E-G), questa tecnica costringeva i chitarristi a reimparare da zero ogni diteggiatura, liberandoli dai automatismi consolidati e stimolando una freschezza compositiva altrimenti irraggiungibile.

L'evoluzione tecnologica ed espressiva era già prepotentemente emersa alla fine degli anni Settanta attraverso l'invenzione dei Frippertronics, un sistema di looping analogico sviluppato insieme a Brian Eno durante le sessioni berlinesi e i successivi tour solisti. 

Basato sull'uso sincronizzato di due registratori a bobina Revox modificati, permetteva al chitarrista di catturare il segnale in tempo reale, ripeterlo e sovrapporlo, creando paesaggi sonori immensi e ipnotici che hanno anticipato l'era dell'ambient e della drone music. 

Negli anni Novanta, questa ricerca si è evoluta ulteriormente con l'introduzione dei Soundscapes, evoluzione digitale che ha permesso a Fripp di esibirsi dal vivo in cattedrali, chiese e gallerie d'arte, mettendo in luce la dimensione più spirituale e meditativa della sua arte.

La traiettoria artistica di Robert Fripp è stata un costante superamento dei confini, capace di spaziare dalle suite complesse dei King Crimson alle collaborazioni stellari con David Bowie — per il quale fornì quel memorabile assolo in Heroes — fino ai lavori con Peter Gabriel, i Talking Heads, Daryl Hall, i Blondie, Andy Summers e i Japan. 

In ogni contesto si è confermato non come un semplice turnista, ma come un elemento di disturbo e di elevazione stilistica, forte di un fraseggio inconfondibile basato su scale insolite, frammenti melodici angolari, una precisione metronomica impressionante e un uso magistrale del sustain e della distorsione pulita.

Tutto ciò ha reso il suo timbro aurale immediatamente riconoscibile, un patrimonio genetico della musica moderna che continua a esercitare un'influenza sotterranea ma potentissima. Fripp ha sempre mantenuto una posizione di fiero e lucido distacco rispetto alle logiche commerciali dell'industria discografica, come dimostra la fondazione della DGM (Discipline Global Mobile), un'etichetta indipendente che ha permesso agli artisti di mantenere il controllo totale sulla propria produzione. Questa intransigenza etica riflette il suo stile chitarristico, dove non c'è spazio per il caso o l'approssimazione, ma solo per la ricerca implacabile della verità musicale intesa come forma di conoscenza superiore e di resistenza culturale. Un'eredità immensa che continua a vivere intatta nelle sue registrazioni, nei seminari di Guitar Craft e nella memoria di chiunque abbia assistito alle performance dei King Crimson, dimostrando come la chitarra elettrica possa elevarsi a strumento di trasformazione estetica e spirituale, capace di parlare al futuro con la stessa forza profetica con cui ha segnato il passato.

Ecco una discografia ragionata dedicata ai momenti chiave della carriera di Robert Fripp, strutturata per ripercorrere le tappe fondamentali della sua evoluzione stilistica, compositiva e strumentale.

• La fondazione del genere: In the Court of the Crimson King (1969) È il manifesto fondativo del rock progressivo, ma soprattutto il disco che battezza l'ingresso della chitarra elettrica in una dimensione sinfonica e colta. Fripp rifugge i cliché bluesy per abbracciare geometrie sonore taglienti e mellotron apocalittici (celebre il contrasto tra la violenza di 21st Century Schizoid Man e i lirismi acustici ed elettrici di Epitaph).
• Il periodo industriale e d'avanguardia: Red (1974) L'ultimo capolavoro della formazione "settanta" dei King Crimson (con John Wetton e Bill Bruford). Qui la chitarra di Fripp assume una funzione quasi metallica e marziale. Riff ciclopici, distorsioni affilate come rasoi e una tensione costante che anticipa le istanze del proto-punk e dell'industrial rock. Brani come la title-track o One More Red Nightmare ridefiniscono lo strumento come ingranaggio di un motore ritmico implacabile.
• Nel 1974, dopo aver pubblicato Red e decretato lo scioglimento dei King Crimson, Fripp compie un gesto di drastica coerenza: si ritira temporaneamente dalle scene, si trasferisce a New York (vivendo quasi da asceta) e si avvicina agli insegnamenti mistici di Gurdjieff. Quando riemerge, lo fa abbandonando i territori del rock tradizionale per esplorare le frequenze dell'avanguardia elettronica e del minimalismo. È in questo contesto che prende forma il sodalizio con Brian Eno.
• No Pussyfooting (1973) e Evening Star (1975) Non sono semplici dischi di chitarra, ma manifesti di archeologia digitale (o meglio, analogico-pionieristica). Attraverso i Frippertronics — il sistema di delay a doppio registratore Revox — Fripp trasforma la chitarra in una sorgente di particelle sonore sospese. Le note vengono catturate, ripetute, stratificate e dilatate nel tempo. La chitarra perde la sua natura percussiva e melodica per farsi spazio, architettura, nebbia sonora e precursore assoluto della drone music e dell'ambient. Prima di definire la sua nuova via alla chitarra rock, Fripp attraversa una fase di intensa attività come turnista di lusso e collaboratore radicale, imponendo il proprio stile spigoloso e tagliente nei contesti pop e rock più disparati.
• Il timbro in Heroes (1977) di David Bowie: Chiamato a Berlino da Brian Eno e David Bowie, Fripp registra il celebre assolo della title-track. Non esegue una parte melodica convenzionale, ma modella il suono attraverso un controllo maniacale del sustain, della posizione della chitarra rispetto all'amplificatore e della distorsione pulita. Ne risulta un lamento metallico e glorioso che diventa l'anima emotiva del brano.
• L'esperienza con i Talking Heads (Fear of Music, 1979): Fripp porta la sua chitarra ritmica all'interno della new wave newyorkese. Il suo fraseggio è secco, angolare, quasi matematico, perfettamente sintonizzato con le tensioni urbane e il funk bianco della band di David Byrne.
• Il periodo di transizione trova la sua sintesi perfetta nel 1981 con la rinascita dei King Crimson e la pubblicazione di Discipline (1981). Fripp azzera tutto il passato sinfonico e arruola Adrian Belew, Tony Levin e Bill Bruford per dare vita a un organismo musicale completamente nuovo. È in questi anni che Fripp perfeziona il New Standard Tuning, la sua nuova accordatura in quinte e seconde, abbandonando la chitarra standard. Questo cambiamento costringe il musicista a pensare la tastiera in modo spaziale, generando accordi di ampiezza inusitata e incastri contrappuntistici a due chitarre (con Belew) che ricordano il gamelan balinese, il minimalismo di Steve Reich e il funk poliritmico. La chitarra in Discipline non è più uno strumento solista, ma un pixel all'interno di un mosaico geometrico in movimento. Brani come Elephant Talk o Frame by Frame dimostrano come Fripp sia riuscito a fondere l'intelletto accademico con l'energia cinetica della modernità.